Soyons vulgaires, soyons populaires. Commentons donc une power ballad. Pas encore du Scorpions. Pas encore mais quand même ...C'est le premier paradoxe, commenter une chanson commerciale.

 

Une chanson que l'on a toujours l'impression d'avoir entendu, une évidence de la nature comme tant d'autres arrivent à nos oreilles et vous sont présentées ici.

 

Le premier paradoxe de cette chanson de Nazareth est que ce n'est PAS une création de Nazareth mais une reprise. Ce sont les Everly Brothers qui ont écrit cette chanson en 1960 (soit près de 15 ans avant !!). (Parenthèse historique qui se veut le gage d'un minimum de sérieux pour un site qui n'en a aucune prétention). Attelons-nous donc à ce monstre.

 

Car en effet, la version originale apparaît particulièrement insipide et évoque très rapidement un 34 tours passé en vitesse 78 tours dont nous pourrions entamer l'écoute attentive sous acide devant une partie d'échec commencée avec un paresseux.

 

 

 

Le texte est ici complètement révisité et transcendé par Nazareth dans une interprétation onirique et titanesque.

Délaissé le minimalisme des années 60, d'une autre version similaire de Roy Orbisson (Pretty Woman).

Ici deux guitares, une basse et une batterie servent d'écrin métallique à une voix ... et quelle voix. Celle de Dan Mc Cafferty. Je reprendrais la citation ô combien délicate trouvée sur un autre site pour décrire "sa voix entre le cri froid et la déchirure claire". http://www.e-medi-a.ch/press/mjf%20saxon%20nazareth.pdf

 

L'amour fait mal et Dan Mc Cafferty, loin des mashmallows en piqûre soporifique des créateurs, pénètre chaque pore de notre peau en autant de petites aiguilles hargneuses.

Cette voix papier de verre si caractéristique d'un hard rock très moderne pour l'époque étend cette complainte en une totale déchirure de l'être. Elle ne prend que l'essentiel, les émotions et tous nos sens et les érafle, les irrite, les lacère et jette en des cris de loup en fin de refrain, de larges lampées de jus de citron salé (c'est trop poétique ça, je devrais moi aussi écrire des chansons ...).

 

Nazareth est un monument oublié des années 70. Le petit poucet oublié dans la forêt du grand hard rock de cette époque où l'on ne retient que Deep Purple, Black Sabbath et Led Zeppelin.

 

Ce groupe écossais a pourtant tout pris et compris : le pachydermisme de la Messe Noire, le psychédélisme du grand ballon et les premiers extrémismes du Poupre Profond. Mais, il a su aussi et surtout prendre ailleurs que dans la First British Wave Of Heavy Metal. Il a pris du rock sudiste de Lynryd Skynryd, du Big Rock d'Aerosmith. Il a tout pris, tout ingéré, et tout restitué avec Hair of the Dog, Dream On (le sien), Expect No Mercy. Et Love Hurts.

Quel paradoxe alors d'être autant oublié.

Et en même temps, pas étonnant qu'il fasse l'objet de reprises multiples lui-même dont une particulièrement endiablée de Hair of the Dog par les Guns n'Roses (sur le Spaghetti Incident) surpassant presque l'original. (Pour moi il le surpasse mais c'est personnel).

 

Après avoir bien plombé l'ambiance, fait couler quelques larmes de mélancolie avec une grande rasade d'alcool (officiellement c'est mal). Après avoir laissé Nazareth nous envahir d'une ambiance de fin de vacances, de fin d'amour d'été, laissé les première feuilles d'automne tomber, doucement mais inéluctablement, laisser les prendre pour un herbier et finalement les déchirer violemment en criant ...

 

Après tout cela, je terminerai peut être sur une touche plus légère.

Avec une illustration tout autre de cette chanson, au travers de la série Scrubs, sorte de "Parker Lewis ne perd jamais" dans un monde hospitalier.

Dans la séquence qui suit, le héros veut offrir le plus beau premier rendez-vous qui soit (dans l'imaginaire américain soit-dit en passant), à savoir une ballade à cheval sur une plage devant le coucher de soleil.

La demoiselle lui demande alors pourquoi il n'y a pas de selle. Lui répond que ce n'est pas un problème. La chanson commence alors.

 

 

 

 

Décalage et humour seront donc les derniers paradoxes. Mais peut être les seuls et ultimes finalement ...

 

Tout homme est une île. Je ne sais plus où j'ai entendu cette absurdité.

Tout homme est indépendant. S'autosuffit. N'a besoin de personne. Détermine sa destinée.

 

Mistreated. J'aurai dû savoir que je ne pouvais écrire d'autres chroniques si je n'écrivais pas celle-ci. Celle qui roule dans ma tête depuis le début du mois de juin. Celle qui m'a tourné en derviche tourneur ivre.

Une chanson de Deep Purple. Attention par le Pourpre Profond original. Pas celui de Smoke on the water : le Riff ultime.

La version David Coverdale - Glenn Hughes en remplacement de Ian Gillan - Roger Glover respectivement voix et basse.

 

Cette chanson est décrite comme étant une "ballade". J'avoue ne pas avoir compris cette classification. Peut être le solo central de Blackmore lui donne-t-elle cette touche de romantisme. Mais en réalité, elle est tout autre chose, bien plus que cela.

Aux puristes, je l'annonce tout de go, je vais commettre un crime de lèse-majesté en conseillant plutôt la version du "live in the heart of the city" de WhiteSnake, plus épurée. Mais je vais garder les images de la version originale du "live at the California Jam Festival" qui montre surtout l'intensité de Coverdale.

C'est en tout les cas une chanson de live. Qui doit vivre.

 

 

Passée rapidement l'intro, c'est un cri retenu, une plainte simple et claire. Deux notes et un coup de masse sur les fûts.

Maltraité.

 

Quoi ?!

Cet homme "viril" au micro, le chanteur de cette horde masculine, lui, a été maltraité ? (je rigole doucement)

Jeté ?

Abusé ?

Confus ?

 

Et pourtant, ce tempo, pas du tout rock n'roll, cette mélodie cassante et très blues en substance veut tout de suite nous faire prendre au sérieux ce récit, cette complainte.

Elle revient toujours en boucle. Elle bute avec les mêmes mots, veut nous convaincre ou plutôt veut extraire cette douleur. Car il le sait, et nous le savons tous.

 

Je ne suis pas une île nous dit-il.

Et je perds la tête. Je perds mes repères, mes convictions, mon assurance. Je perds tout et je reviens toujours sur ce constat. Je le crie toujours plus fort. J'ai cette rage en moi qui ne veut pas sortir.

 

Maltraité.

Abusé.

Confus.

 

Esseulé.

Et il apprend alors qu'il n'avait jamais été seul. Délaissé, il le comprend.

Maltraité.

Abusé.

Confus.

La plainte s'intensifie. Glenn Hughes arrive en appui à la voix et transperce dans un final apocalyptique, cette danse de derviche fou, sur soi-même, sur ses idées et déchirures.

 

Et puis plus rien ?

 

Si.

Deux notes et un coup de masse sur les fûts.

Maltraité.

Deux notes et un coup de masse sur les fûts.

Je perds l'esprit.

Je le perds.

 

Et la conclusion ?

Il n'y en a pas. Nous ne sommes pas Ibiza et c'est pour cela que nous y allons. Pour oublier qu'il n'y a pas de fin, pas de happy end.

 

Cela commence comme une journée.



Une routine, un riff circulaire,

Des avertissements. Un coup de batterie nous arrache de ce qui aurait pu finalement nous assoupir.
Une basse qui lutte et ronfle.

Un cri, une voix, une vie. Un éveil.

Partir au travail avec cette chanson dans la tête, l'entendre se dérouler ainsi. Et partir dès le premier refrain en une joute sensuelle, une fusion du corps Bonham-Jones-Page et des cris de Plant.

Souvent, dans une discussion, dans une relation, qu'elle soit amicale ou professionnelle, deux individus se confrontent et pour se comprendre s'accordent, s'entendent, s'amplifient si tout va bien ou larcennent et split.

Led Zep nous parle et nous met toute de suite en résonance. Et dans cette chanson peut être encore plus. Elle fait appel au sensoriel et à la lascivité charnelle et spirituelle les plus totale.

A l'époque, en plein essor du Pouvoir des Fleurs, de l'appel à l'amour, cet hymne temporel aurait pu s'éteindre avec sa mouvance hippie.
Et pourtant, elle continue de vibrer. Mélodiquement mais aussi par son discours : un discours d'amour total, primaire. Un texte finalement très direct. Je veux tout cet amour. Tout l'Amour.

Pour notre monde actuel cynique et désabusé, quelle absurdité finalement.
Et paradoxalement, si le quotidien jetable, la robotique cérébrale de relations codifiées ont créé une artificialité absorbante : rassurante contre l'effroi de la différence extérieure, avec ce son, la révolte sonne.

Whole Lotta Love, les deux pieds martelant le sol. Créer son rythme. S'adapter à celui du Zeppelin.

Cette chanson nous dit-on est largement "influencée" ou copiée sur le "You need Love" de Willie Dixon. Mais finalement peu importe de savoir s'il y a plagiat ou pas.
Car la découvrir, c'est se remémorer un sentiment familier : une relecture du passé, qui nous parle. Ancrée dans le blues définitivement. Avec ses multiples dérivations et improvisations en live du morceau qui nous fait revenir aux classiques de la musique rock et noire américaine.

Jimmy Page, qui côtoyait le mage noir Crowley à l'époque, effectue ici quelques moulinets d'alchimie. Plant chamanise alors l'essence même de cet appel à l'amour pour le transcender. Et il nous conduit à échapper à la rythmique tellurique, à la chaleur de ce pas saccadé, de ce quotidien, de cet enfer urbain dans lequel nous marchons lorsque nous l'écoutons s'étirer et se distendre sur notre chemin.

Pas de voie de traverse, arrivée au boulot.

Mais est-ce que cette folle parenthèse doit s'arrêter aux portes de l'ascenseur ?
Est-ce que le backdoor man du dernier couplet qui voudrait nous accompagner plus loin ne peut lui aussi franchir le seuil. Voilà une question que je ne me posais même pas avant.

Voilà l'interrogation qui doit surgir et ne doit pas être refroidie.

C'est l'histoire d'une vie, de toute vie où chaque jour une chanson trotte dans la tête. Des Ally Mc Beal en puissance. Pour éviter de les ressasser sans cesse en son for intérieur, disait le roi Arthur, il faut les chanter.

Je veux ici les crier.